San Juan Bautista en el desierto: Maíno en el Museo del Prado

El Museo del Prado presenta, a partir del 20 de octubre y hasta el 17 de enero, la primera exposición monográfica dedicada a Juan Bautista Maíno, en la que se presentan treinta y siete obras -casi la totalidad de su producción- incluyendo varias pinturas inéditas.

Esta escasez de piezas se justifica por el abandono que sufrió su carrera pictórica al ingresar en la orden de Santo Domingo. Además, el estudio de su biografía ha planteado múltiples problemas, no pudiendo concretarse el momento de su nacimiento, ocurrido en Pastrana en 1581, hasta 1958.

El "Retablo de las Cuatro Pascuas" y "La recuperación de la Bahía de Brasil" son, probablemente, sus pinturas más conocidas. Sin embargo, para ilustrar esta pequeña reseña, he elegido un "San Juan Bautista en el desierto" que demuestra el conocimiento, gracias a un temprano viaje a Roma, de un delicadísimo pintor (desgraciadamente poco conocido por el gran público): Adam Elsheimer. Podemos ver en esta obra al santo, primo de Cristo, vestido con una túnica de piel de camello -única vestimenta que utilizó mientras estuvo predicando en el desierto- apenas visible bajo el manto rojo (color alusivo a su futuro martirio). A sus pies, un pequeño cordero, símbolo parlante del mártir, haciendo referencia a sus palabras: "He aquí el Cordero del Señor", pronunciadas al ver aparecer a Jesús en el río Jordán, donde a continuación lo bautizó. Otro de los elementos que no faltan en su iconografía es la cruz de caña en la que se enrolla una filacteria con la mencionada frase en latín: "Ecce Agnus Dei". Dado que murió joven, así se le suele representar, incluso llegando a parecer un adolescente, como en esta pieza. La devoción popular gustó mucho de las imágenes de este santo como un niño, solo o en compañía de Jesús, también como un pequeño de corta edad.

Diana y Acteón

Los mitos grecolatinos están llenos de historias de amor y venganza. Amores entre dioses, con mortales, persecuciones, raptos y violaciones. Pero también castigos. Castigos a otras divinidades y, especialmente, castigos a los mortales. Para los griegos, lo peor que un humano podía hacer era cometer el pecado de soberbia ("Hybris") contra los dioses, aunque existían otros errores o faltas y, en todos los casos, las represalias eran despiadadas, como bien se refleja, por ejemplo, en el mito del joven cazador Acteón.

Según los clásicos, era éste nieto de Apolo y había aprendido el arte de la caza de mano del centauro Quirón. Las fuentes no se ponen de acuerdo en la falta cometida; para unos, el muchacho se había jactado de ser mejor cazador que la propia diosa Ártemis (Diana para los romanos), según otros, en cambio, intentó violarla en su propio templo y, finalmente, hay una tercera opinión, que habla de un descuido, por el cual Acteón descubrió sin querer a la diosa desnuda mientras se bañaba junto a sus compañeras en el monte Citerón -versión adoptada por los artistas, como en la obra de Rubens de la imagen superior, donde Ártemis se identifica con la diadema coronada por una media luna y el cazador por sus atributos como tal (flechas, perros, carcaj...)-.

Sea como fuere, Diana no se lo pensó dos veces y castigó cruelmente al joven, transformándolo en ciervo y permitiendo que fuese devorado por la jauría de perros que habitualmente le acompañaba. Después, los animales buscaron desconsolados a su amo, llegando hasta la cueva donde vivía Quirón, quien, para calmarlos, creó una figura que representaba fielmente a Acteón. Iconográficamente, se suele representar al joven descubriendo a la diosa virgen. Muchas veces se ve su transformación en ciervo y el ataque de los perros, como puede apreciarse en la fuente realizada por Vanvitelli para el Palacio de Caserta (imagen derecha).

Aunque es un asunto más habitual en pintura, puede darse también en escultura, como acabamos de comentar, e incluso en artes decorativas. Un buen ejemplo se acaba de subastar en Alcalá. Se trata de un plato en cerámica de Talavera fechado a finales del XVII o principios del XVIII cuyo asiento se decoraba con la imagen de este personaje (sobre estas líneas).

San Bartolomé

Entre los doce apóstoles se encuentra San Bartolomé, cuyo nombre procede del patronímico: Bar Tolmaï, que se traduciría por "Hijo de Tolomeo". Aparece mencionado en los Evangelios junto a San Felipe, y en el caso del Evangelio de San Juan, en el que no se le recoge, se le ha identificado con Natanael.

Su leyenda cuenta cómo, después de morir Cristo, evangelizó Arabia, Mesopotamia y Armenia, donde sería martirizado y asesinado por orden del rey Astiages, al ver la cantidad de vasallos que se habían incorporado a las filas del Cristianismo gracias a este personaje. El martirologio romano asegura que fue desollado vivo, mientras que las versiones orientales hablan de crucifixión, ahogamiento o decapitación.

Sin embargo, los hagiógrafos decidieron dar mayor propaganda a la primera versión porque entre los

demás apóstoles ya había bastantes crucificados o decapitados. (Derecha: Martirio de San Bartolomé, por Giovanni Batista Tiépolo)

Supuestamente, su piel se conservaba en Pisa y precisamente por este martirio, fue elegido patrón por curtidores, guanteros, encuadernadores e incluso sastres, quienes lo reivindicaban por portar su piel bajo el brazo, como si fuera un abrigo.

A pesar de que apenas se conoce nada de su biografía, su iconografía es bastante rica: su principal símbolo parlante es un gran cuchillo que alude a su martirio; además porta un libro que lo identifica como apóstol y su piel en la mano. Puede vérsele tanto con ella como despellejado, tal y como si de un estudio anatómico se tratara.

Además, puede llevar un demonio encadenado, al que somete pisándolo.

El origen de este elemento puede derivar de dos episodios: por un lado, y según los Evangelios Apócrifos, San Bartolomé le había pedido a Jesús resucitado que le mostrara al demonio "Belial" y, tras habérselo enseñado, Cristo le dice que le pise la cerviz. Por otro lado, una tradición asegura que el santo expulsó a un demonio que vivía dentro de una estatua en un templo, que fue dedicado al Salvador tras dicha expulsión.

(a la izquierda: San Bartolomé de El Greco)

Una de las representaciones más conocidas de este santo es la que realizara Miguel Ángel para el fresco del Juicio Final en la Capilla Sixtina, famosa también porque la piel del mártir esconde el propio autorretrato del artista, detalle que no se descubrió hasta el siglo XIX. (Al inicio de estas líneas).

Confusiones iconográficas: "La embriaguez de Noé"

El asunto elegido está narrado en el Antiguo Testamento (Gn. 9,18-29) y resulta ciertamente infrecuente como representación artística, pero lo traigo hoy a colación por un lienzo que acaba de venderse en subasta.

Según cuenta la Biblia, tras el Diluvio, Noé salió del arca con sus tres hijos, Sem, Cam -padre de Canaán- y Jafet y, al comenzar a cultivar la tierra, el patriarca plantó una viña. Desconociendo los efectos de su fruto, Noé bebió vino hasta embriagarse, quedándose dormido y desnudo a la puerta de su tienda. Se acercó y lo vio su hijo Cam, yendo hasta donde estaban sus hermanos para contárselo. Éstos, por respeto, tomaron la ropa y, andando hacia atrás y girando la cabeza para no ver la desnudez de su padre, le taparon.

Cuando Noé despertó, enterado de lo sucedido, maldijo a Canáan, su nieto, condenándole a ser el siervo de sus hermanos por el resto de los días.

Iconográficamente, las representaciones siguen al pie de la letra la narración bíblica, tal y como se puede ver en la obra en cuestión (sobre estas líneas), óleo sobre lienzo de Giovanni Andrea de Ferrari (140,5 x 215 cm), que salía a la venta por 20.000 € y había sido titulada "El sueño de Jacob". Si observamos la imagen, veremos claramente a los dos hijos de Noé de espaldas a su padre, con una copa volcada en el suelo y claros signos de haber bebido, mientras el tercero, Cam, junto a su hijo que será maldito, le señala con el dedo. Para que fuera "El sueño de Jacob" (también llamado ("Escala de Jacob"), debería aparecer sólo un personaje y una escalera por la que suben y bajan ángeles, como veremos en otro post.

En la imagen superior vemos la interpretación de este asunto por parte de Miguel Ángel en su Capilla Sixtina y junto a estas líneas, la tabla de Bernardo Cavallino, realizada entre 1640 y 1645 (41 x 37,7 cm) expuesta en el Museo Thyssen y que muestra la desnudez de Noé de un modo mucho más explícito. A partir del XVI, la representación de escenas en las que se contraponen los diferentes sexos y edades, y especialmente pasajes morbosos, como éste o "Lot y sus hijas", tienen gran éxito, si bien, como dijimos, "La embriaguez de Noé" no es demasiado abundante.

Pintura flamenca en Fuenlabrada

Los amantes de la pintura flamenca están de suerte: hasta el 15 de noviembre, en el Centro Tomás y Valiente de Fuenlabrada, podrán disfrutar de "La pintura flamenca. Colección Gerstenmaier". Durante treinta años, el empresario alemán afincado en España Hans Rudolf Gerstenmaier ha ido reuniendo pintura desde el siglo XV al XX siguiendo tan solo el dictado de su gusto personal. Ahora, parte de esas obras, tanto pinturas como grabados de autores como Martin de Vos, Jan Brueghel o Abraham Janssens, entre otros, se exponen al público en horario de 10 a 14 y de 17 a 21, de lunes a sábado y, domingos y festivos, de 17 a 21.

Información en: http://www.ayto-fuenlabrada.es/index.do?MP=2&MS=15&MN=2&TR=C&IDR=198  y http://www.pinturaflamenca.com/

Círculo de Rogier van der Weyden, sg. XVI, "Virgen de la Leche"

Christie's presentará un Rembrandt en diciembre

Todavía estamos a la espera de la subasta de los objetos pertenecientes a Manuel March cuando Christie's vuelve a sorprendernos con otra noticia que promete un récord de venta y las máximas atenciones del mundo del arte. Hay que esperar a diciembre, uno de los mejores meses para el mercado, cuando podremos ver el lienzo "Retrato de un hombre de medio cuerpo con los brazos en jarras", pintado por Rembrandt en 1658. La convocatoria se presenta interesante: es un autor del que difícilmente se encuentran piezas a la venta y su récord, por el retrato de una anciana vendido en el año 2000, se encuentra en 21,7 millones de dólares. La sala, por su parte, espera un remate superior a los 27 millones de euros.

Casi cuarenta años han pasado desde que el lienzo fue expuesto al público por última vez, en "Rembrandt después de trescientos años", muestra celebrada en Detroit en 1970. Había salido a la venta en 1930, cuando el nieto de George Folliott -pertenecía a la colección del abuelo- lo llevó a subasta en Londres, pasando poco después a George Huntington Hartford II, otro gran coleccionista de arte que la donaría en 1958 a la Universidad de Columbia. En 1974, fue vendido una vez más y el próximo 8 de diciembre el particular que se hizo con el retrato por aquel entonces volverá a ofrecer esta obra maestra al mejor postor.

El retrato fue registrado por primera vez en 1847 en una exposición en el Instituto Británico de Londres, donde fue prestado por la colección de George Folliott. Su nieto vendió la imagen en una subasta en Londres el 14 de mayo 1930 por 18.500 libras de la época. Poco después, fue adquirido a título particular por George Huntington Hartford II, un importante coleccionista de arte y principal heredero de una cadena de supermercados, que por mucho tiempo fue uno de los hombres más ricos del mundo. Él mismo donó la obra a la Universidad de Columbia en 1958, donde permaneció colgado en la oficina del presidente. Cuando los estudiantes ocuparon el cargo durante una manifestación en 1968, el retrato fue removido y almacenado antes de ser vendido de forma privada en 1974 a beneficio del Fondo de Dotación de la Universidad. La última vez que se pudo ver en público fue en 1970 en la exposición Rembrandt después de 300 años, celebrada en Detroit.

Como ya anunciábamos, el arte antiguo se afianza como puntal contra la crisis.

Inicio de curso también para el arte

Estamos a 10 de septiembre y el mundo del arte empieza a despertar después de las vacaciones. Para finales de este mes, las salas de subasta -tanto nacionales como internacionales- comienzan a ofrecer piezas por las que pujar. Los museos tampoco se quedan atrás y la oferta se multiplica, especialmente a partir de octubre: el Museo de Bellas Artes de Bilbao organiza una exposición sobre las obras de juventud de Murillo en la que se podrá ver una Virgen con el Niño recién descubierta en el Museo de Lier (Bélgica). Después, la muestra viajará a Sevilla. El Thyssen, por su parte, inaugurará "Lágrimas de Eros" el 20 de octubre, fecha en que también se abrirá al público la exposición sobre Maíno en el Museo del Prado. ¿Otras opciones? La Fundación Juan March propone obras sobre papel de Caspar David Friedrich y, hasta enero del próximo año, en el Centro Cultural Conde Duque, una selección de artes decorativas del siglo XVIII procedentes del que ahora se conoce como Museo de Historia (antiguo Museo Municipal) y ya que sigue cerrado, al menos podremos disfrutar de parte de su colección durante estos meses. Estos son sólo algunos ejemplos de lo que nos espera después del verano. Poco a poco iremos hablando de todo ello, seguiremos hablando de iconografía y dando noticias del mercado del arte.