Latona y los campesinos licios

Christie's, de nuevo, nos ofreció una pieza curiosa en la subasta del pasado 26 de noviembre. La pintura, un óleo sobre cobre de 16,8 x 26,6 cm, fue realizada por Francisco Trevisani (1656-1746) y salía a pujas entre 10.000 y 15.000 euros. Se vendió en 10.400 euros, incluyendo las comisiones, y presentaba un pasaje poco habitual narrado en las Metamorfosis de Ovidio.

Latona -Leto en la mitología griega-, a quien Júpiter (Zeus) había dejado embarazada de gemelos, buscaba un lugar donde poder dar a luz, dado que Juno (Hera), la esposa de Júpiter, le había prohibido hacerlo en ningún lugar donde brillase el sol. Llegó a la isla Ortigia, que desde entonces pasó a llamarse Delos, "la brillante", donde Neptuno (Poseidón) creó una bóveda de agua que la cobijase impidiendo que entrara la luz solar, para burlar de este modo la prohibición de Juno. Allí, apoyada en una palmera, pudo alumbrar a sus dos hijos Apolo y Diana (Ártemis). Según cuenta Ovidio en el libro VI de las Metamorfosis, Latona llegó con sus dos hijos hasta Licia, donde encontró un la

go en el que quiso apagar su sed. Sin embargo, unos campesinos licios que allí estaban se lo impiden y la insultan, enturbiando el agua para que no la pueda utilizar. Latona pasa de rogarles que le permitan beber a castigar su mala acción, convirtiéndolos a todos en ranas. La identificación iconográfica es muy sencilla porque aparece, como en este cobre, la diosa junto a sus dos hijos y los campesinos, unos completamente transformados en ranas, otros en plena metamorfosis, cerca de ella.

Este asunto fue utilizado como motivo decorativo para una de las fuentes del Palacio de La Granja en Segovia, realizada por René Fremin (1672-1744), el que fuera primer escultor de Felipe V. La diosa, en la parte superior, con sus hijos, se ve rodeada por los licios que se convierten sin poder hacer nada en los mencionados animales.

Nota: aunque prefiero utilizar los nombres griegos, en esta ocasión he usado los romanos con los equivalentes griegos entre paréntesis, dado que la fuente (Metamorfosis) es latina.

Fuente: Christie's.com. Las imágenes de La Granja están tomadas de: http://hercules.cedex.es/Planificacion/Estudios_de_Viabilidad/FuentesdelaGranja/Fuentes/LasRanas/las_ranas.htm

Revista Cuadernos de Arte e Iconografía

La revista Cuadernos de Arte e Iconografía es una publicación científica de la Fundación Universitaria Española especializada en cuestiones iconográficas que se puede consultar, no sólo en papel, sino también a través de Internet.

En el siguiente enlace encontrareis hasta el número 26 (2004): http://www.fuesp.com/revistas/pag/cai.html

Además, esta Fundación tiene también un estupendo fichero iconográfico, donde se recogen imágenes tanto de iconografía cristiana como clásica y un apartado bibliográfico muy útil. En la siguiente dirección: http://fichero.ficonofue.com/ficono/buscador.php

Christie's: pintura antigua subastada en Milán

Ya se ha celebrado la subasta de pintura antigua de Christie's Milán donde salía a la venta la santa que os propuse hace unos días y que retomaremos la próxima semana para hablar de su iconografía (http://cuadrosparaunaexposicion.blogspot.com/2009/11/una-santa-sin-identificar.html). La cita tuvo lugar el pasado 26 y contaba con un total de 104 lotes entre los que se encontraban piezas como una Diana del Guercino, que consiguió el precio más alto de la sesión al rematarse en 479.600 euros, la Lucrecia de Andrea Vaccaro vendida en 46.160 euros, precio superior a la estimación máxima de la sala (30.000), o nuestra desconocida santa (ya veremos que no lo es tanto) que se quedaba en 53.720 euros, las ventas sumaron un total de 2.487.710 euros.

Para más información sobre los resultados: http://www.christies.com/LotFinder/searchresults.aspx?intSaleID=21818#action=sort&intSaleID=21818&sid=6f1ee709-9cec-4e88-bb71-28c8960a3369&sortby=lot

Murillo y Luis de Morales, remates destacados en Sevilla

La sala Arte, Información y gestión de Sevilla cerró la sesión del 19 de noviembre con ventas muy interesantes.

En pintura, el San José con el Niño de Murillo, lienzo de 70,5 x 52 cm se remató en los 125.000 € que se pedían por él de salida, mientras que La Virgen del sombrero, tabla del taller de Luis de Morales (39 x 28,5 cm), lograba superar en más del doble la estimación de 6.000 €, al venderse por 13.000 € y un San Sebastián, de Sebastián Muñoz (lienzo, 63 x 40 cm) era adquirido por el Estado en 20.000 €, también la salida.

¿Una santa sin identificar?

Inauguro con este post un nuevo espacio en el que os animo a participar y que he titulado "Iconografía oculta". Al echar un vistazo al catálogo de la subasta de pintura antigua que la sala Christie's celebrará mañana en Milán aparece un lote, el 42, obra de Stefano Danedi, Il Montalto, bajo el título "Martirio de una santa". Es un óleo sobre lienzo de 188,5 x 153 cm cuyo precio de salida está estimado entre 40.000 y 60.000 €, pero lo que más me interesa es su iconografía.

Tal vez alguien la haya identificado ya, o quizá hay a quien le apetece investigar un poco. Yo tengo mi propia propuesta, y la próxima semana retomaré este hilo para comentarla, pero antes sí que me encantaría leer vuestras opiniones.

Añado un par de detalles del lienzo, en los que se observan elementos que nos pueden servir de pista.

Bueno, ¿qué os parece?

¡Mucho ánimo, que no es difícil! ¡Espero vuestras respuestas!

Si estas imágenes no son lo suficientemente claras (pinchad sobre ellas porque mejora la calidad), podéis consultar el catálogo y ampliar las fotos en esta dirección: http://www.christies.com/eCatalogues/index.aspx?id=68B49407489BDE9C85257474005063C2

La leyenda dorada

Si hay una recopilación de vidas de santos por excelencia, ésa es La leyenda dorada. Obra creada por el hagiógrafo dominico Jacopo della Voragine, fue escrita a mediados del siglo XIII y en ella incluye también algunos pasajes de la vida de Cristo y de María.

Es importante por la repercusión que ha tenido en las representaciones artísticas. Aparte de eso, las historias que cuenta, repletas de anécdotas curiosas, resultan muy simpáticas.

VORÁGINE, Santiago de la, La leyenda dorada, Madrid, Alianza Editorial, 2005 (2 volúmenes)

Acudir a las fuentes

Aunque no se tenga que hacer una investigación demasiado rigurosa, siempre conviene acudir a las fuentes. En el caso de la iconografía cristiana, hay varias obras de imprescindible consulta.

Por supuesto, lo primero es leer lo que del pasaje concreto nos dice la Biblia. La que yo utilizo es de la Biblioteca de Autores Cristianos:

- NÁCAR, Eloíno y COLUNGA, Alberto, Biblia, Madrid, Biblioteca de Autores Cristianos, 1944 (1ª ed. La más reciente es de 2008)

A mí me gusta especialmente esta versión por las notas que incluyen y que son realmente reveladoras, pues en muchas ocasiones aclaran hábitos hebraicos o expresiones con determinados significados que de otro modo no alcanzaríamos a conocer.

También de esta editorial (hay más, pero a mí me sigue gustando ésta), y muy interesante para ciertos pasajes de la vida de Cristo en los que los Evangelios Canónicos (los de san Marcos, san Mateo, san Lucas y san Juan) no abundan, son los Evangelios Apócrifos. Son éstos una recopilación de textos que, aunque no fueron aceptados por la ortodoxia católica, sirvieron de fuente de inspiración para muchos artistas.

- SANTOS OTERO, Aurelio, Evangelios Apócrifos, Madrid, Biblioteca de Autores, 1999 (10ª ed.)

Hablaremos en un próximo post sobre La leyenda dorada, muy útil no sólo para las vidas de los santos, sino también para pasajes evangélicos.

El descanso en la huida a Egipto también se subastará

De nuevo, la subasta de pintura antigua que se celebrará en Sotheby's Londres los días 9 y 10 de diciembre nos ofrece una pieza curiosa por la iconografía que recoge. Se trata de un óleo sobre lienzo de Arent de Gelder (1645-1727) con la escena de El descanso en la huida a Egipto. Lo curioso no es el asunto iconográfico en sí, dado que ha sido muy repetido a lo largo de los siglos. Lo que resulta realmente llamativo es el modo en que este pintor, casi con seguridad el último discípulo que tuvo Rembrandt, y de hecho el único que se mantuvo fiel a la tradición del maestro tras su muerte, lo plasma.

La historia se encuentra en el Nuevo Testamento y está relacionada con la matanza de los inocentes (http://cuadrosparaunaexposicion.blogspot.com/2009/10/la-matanza-de-los-inocentes-un-record.html). Al igual que ocurría en aquel caso, la huida es mencionada por san Mateo y de manera bastante escueta, aunque tanto los Evangelios Apócrifos como La leyenda dorada de Voragine la adornaron con multitud de sucesos ocurridos supuestamente durante este viaje. Así, dispuesto a acabar con el Niño Jesús, Herodes ordena matar a todos los niños menores de dos años que vivían en Belén pero, gracias al aviso de un ángel, José pudo huir con su esposa y su hijo hacia Egipto. La Sagrada Familia protagoniza esta escena, con san José, llevando por la brida al asno que montan la Virgen y el Niño en muchas ocasiones (en la imagen de la izquierda, en una obra realizada por Patinir en 1515 y que hoy se encuentra en el Real Museo de Bellas Artes de Amberes). En el camino debieron por lógica hacer algún descanso, algo que dio lugar a una simpática leyenda según la cual, María pidió a su esposo que parasen para descansar a la sombra de una palmera y, viendo que estaba llena de dátiles, pidió comer algunos, a lo que siguiendo la orden que el mismo Niño Jesús le hizo al árbol, el tronco se inclinó para permitir que pudieran saciar su hambre. No se incorporó hasta que escuchó de nuevo que así se lo indicaba el Niño y, finalmente, de entre sus raíces brotó una fuente de agua que permitió que la Sagrada Familia bebiera antes de continuar su camino.

Este episodio empezó a ser ilustrado por los artistas a partir del siglo XV, y se pueden encontrar muchas variaciones: con o sin ángeles, con un pino u otra especie en lugar de una palmera, incluso a veces se incluyen a santa Isabel y el pequeño Bautista. Un delicado ejemplo es la obra que pintó Boucher en 1757, hoy en el Hermitage de San Petersburgo, donde la Virgen lee mientras su Hijo juega con su primo el Bautista y el escenario, en el que no faltan el asno, la palmera y la fuente de agua, está lleno de angelitos. Tras el Concilio de Trento, considerando que el asno era indigno de aparecer como montura de la Virgen y Jesús, se le hizo desaparecer (o esa fue la intención, dado que es muy frecuente que se mantenga) y la Sagrada Familia pasó a hacer el largo camino a pie.

Respecto a la obra de De Gelder, que se especializó en pintura de historia, destacando en la representación de asuntos tomados del Antiguo Testamento, y siempre con un marcado interés en la relación entre las figuras y especialmente en las relaciones psicológicas, quería hacer hincapié en el hecho de que los personajes han perdido todo su carácter "sagrado". Están representados como si fueran viajeros, con sus capas y sombreros de viaje e incluso acompañados por su perrillo. Tan solo el asno, en segundo término, nos habla del verdadero carácter de la pintura. Una imagen curiosa que parte desde una estimación de salida entre 334.860 y 558.100 euros.

Fuente: Sotheby's.com

La ceguera de los habitantes de Sodoma

He encontrado, en la subasta de pintura antigua que celebrará Sotheby's el día 10 de diciembre, una pintura realmente interesante que no quería dejar de comentar. Se trata de "La ceguera de los habitantes de Sodoma", un óleo sobre lienzo pintado por Carle van Loo cuya estimación de salida se encuentra entre los 60.000 y 80.000 libras (66.972.000-89.296.000 €).

En su momento estuvimos hablando de Lot y el escabroso episodio de incesto que mantuvo con sus hijas (http://cuadrosparaunaexposicion.blogspot.com/2009/10/lot-y-sus-hijas-la-historia-de-un.html). Esta pieza tiene relación, aunque refleja un momento anterior y quería comentarla porque los artistas no la representaron con demasiada frecuencia.

La historia, narrada en en el Génesis, cuenta que, después de que Yahvé hubiera decidido acabar con todos los habitantes de Sodoma y Gomorra por sus pecados, envió a dos ángeles para que salvaran a Lot, el único hombre justo que vivía allí. Él los acogió en su casa pero, enterados de su llegada, los hombres de Sodoma se acercaron y rodearon el edificio, pidiéndole a Lot que les dejara "conocer" a los recién llegados. Hay que destacar que, en la Biblia, este término tiene connotaciones sexuales. Lot les pidió por favor que los dejaran tranquilos, ofreciéndoles a cambio a sus dos hijas vírgenes (el sentido de la hospitalidad que tienen en Oriente le impedía permitir que sus invitados fuesen forzados). No contentos con esta solución, los habitantes de la ciudad forcejearon con él hasta que los dos ángeles intervinieron, metiéndole en su casa y cerrando la puerta para, a continuación, cegar a todos aquellos personajes, como castigo. Precisamente, el término "sodomía" procede de esta historia del Antiguo Testamento.

Van Loo pinta su obra siguiendo exactamente la narración, con uno de los ángeles cerrando la puerta tras la que se encuentra Lot con su familia, mientras el segundo, con una señal de su mano, deja ciegos a los hombres, que ruedan por el suelo o tantean el aire en un gesto que claramente indica la desaparición de su vista. El cuadro, redescubierto en 1995, sólo se conocía gracias a un boceto realizado por G. de Saint-Aubin y que hoy se encuentra en el Museo del Petit Palais de París.

Sobre la historia de Lot y sus hijas: http://cuadrosparaunaexposicion.blogspot.com/2009/10/lot-y-sus-hijas-la-historia-de-un.html

Fuente: Sotheby's. com

Los días 8, 9 y 10 de diciembre serán cita indispensable para los amantes del arte antiguo, y especialmente de la pintura. Además del retrato masculino pintado por Rembrandt que saldrá en Christie's Londres el día 8, y del que ya habíamos hablado, Sotheby's presenta otro retrato, femenino y pintado por Rubens, el día 9, del que seguramente también habrá que hablar. Se trata de una importante adición al catálogo del pintor flamenco, fechable hacia 1603-1606 y que fue pintado durante su "período italiano", bien en Italia o en su estancia en España, donde vino como enviado diplomático al servicio del duque de Mantua. La madurez de la obra parece indicar que, en cualquier caso, no fue pintada antes de su llegada a nuestro país y, probablemente, fue un encargo del mencionado noble, Vincenzo Gonzaga (1562-1612). Además, tanto las mangas del vestido como el cuello, son españoles, según la moda de alrededor de 1600.

El lienzo, con unas dimensiones de 85,5 x 66 cm, saldrá a la venta con una estimación de salida entre 4.496.800 y 6.745.210 €.

Las mujeres fuertes de la Biblia: Jael y Sísara

Ocho son las llamadas "Mujeres fuertes" de la Biblia: María la Profetisa, Débora, Jael, Sara, Ruth, Abigail, Esther y Judit. De esta última ya habíamos hablado, pero en esta ocasión, y siguiendo el hilo de esos pasajes bíblicos que se utilizaron por su contenido erótico (en los que también se apreciaban las referencias de violencia y muerte) a partir del Renacimiento, hablaremos de Jael.

La historia está narrada en el libro de los Jueces, 4: 18-22. La verdadera protagonista del capítulo es Débora, jueza y profetisa que con su firmeza y astucia vence a los ejércitos de Jabín, rey de Canán y enemigo de Israel, pero su figura no ha interesado para nada a los artistas. No sucede lo mismo con la esposa de Jéber, de nombre Jael.

Sísara, general del ejército de Jabín, había escapado con vida tras la derrota de sus tropas, yendo a pedir refugio a la tienda de Jael, de la tribu nómada de los ceneos. Ella lo acoge, dándole leche y una cama en la que poder descansar, para aprovechar el momento en que se duerme y, cogiendo un clavo, golpearlo con un martillo contra su sien, dejando muerto en el acto al contrincante de los israelitas. Cuando el hebreo Barac llega buscándole, Jael se lo muestra dentro de su tienda, hecho que no ha tenido ningún eco en las representaciones artísticas.

Apenas existen referencias a este tema antes del Renacimiento, y el mayor número de representaciones se encuentran durante el Barroco, por ese marcado gusto por los estados psicológicos exaltados; sin embargo, durante la Edad Media, se la interpreta tanto como representación de la Virgen victoriosa sobre el demonio, como si fuera ejemplo de las artimañas de las mujeres para llevar a los hombres a la perdición.

Aunque la narración menciona el interior de una tienda como escenario, los artistas acabaron representando palacios y otros lugares más lujosos, como en el lienzo de Hendrick van Steenwyck II (1580-1649), que se vendió en Christie's Nueva York en noviembre de 1999 por 16.404 € (imagen superior).

Otro ejemplo anterior, el grabado de Jan Saenredam (1565-1607), ofrece al fondo el momento en que el soldado acude hasta Jael para, en primer término, colocar el asesinato (junto a estas líneas). Mantiene así la tradición medieval de narrar varios episodios de una historia en la misma obra gracias a la colocación de sus diferentes partes en diversos planos.

El Laocoonte y los pequeños bronces de colecciones reales

Nunca antes se había celebrado una exposición de pequeños bronces en España. Ahora, y hasta el 24 de enero, Patrimonio Nacional reúne 123 obras en una muestra que recoge las colecciones que nuestros monarcas fueron acumulando entre los siglos XVI y XVIII. Estas pequeñas esculturas de bronce, de hasta 50 cm de altura, empezaron a aparecer durante el Renacimiento como preciados objetos de colección destinados a los gabinetes de curiosidades. Realizados como regalos diplomáticos o encargos regios, y de manos de grandes artífices como Giambologna, en ellos se recogía la herencia clásica, dada la imposibilidad de poseer los originales griegos y romanos.

Nacidos en un momento de recuperación de la cultura grecolatina, estos bronces reflejan principalmente asuntos mitológicos. Así, entre las piezas expuestas, se encuentran las réplicas de dos de las figuras más demandadas entonces: el Espinario y el Laocoonte (imagen de la derecha), escultura de época helenística que fue descubierta a principios del siglo XVI y considerada como la máxima expresión del dolor y la impotencia humanas. Existen varias versiones de la historia de Laocoonte. Era éste un sacerdote del templo troyano de Apolo Timbreo durante la guerra de Troya que, según unos, fue castigado por Posidón por haber anunciado que en el interior del famoso caballo que los griegos habían dejado ante las murallas de su ciudad estaban sus enemigos escondidos; según otros el delito consistió en unirse a su esposa en el interior del templo de Apolo y aún se encuentra una tercera versión que sólo habla de que dicho dios le castigó por haber tomado esposa y engendrado hijos en vez de dedicarse por completo a su labor como sacerdote. En cualquier caso, Laocoonte vio cómo una monstruosa serpiente salía de las aguas para devorar a sus hijos, pereciendo él mismo en el intento de salvarlos.

También se puede disfrutar de retratos ecuestres, y, como excepción, de cuatro bronces religiosos que formaron parte de un encargo para Anna María Luisa de Médicis. Entre 1722 y 1725 se funden doce piezas que, a su muerte, se disgregaron y salieron de España. Cuatro de ellos, el Banquete en casa de Simón el Fariseo, Jesús y la samaritana, el Regreso del hijo pródigo y Moisés y la zarza ardiendo regresaron a nuestro país para volver a dispersarse. Ahora, reunidos en la misma sala, ponen el contrapunto religioso en una exposición que desmonta la idea, tantas veces repetida, de que los reyes españoles no supieron apreciar el arte de la escultura.

Información: Palacio Real. Teléfono: 91. 454. 87. 00. www.patrimonionacional.es

Salomé con la cabeza del Bautista

La historia del Bautista pertenece al Nuevo Testamento, y en concreto este episodio está narrado, de forma muy escueta, en Mt, 14: 3-11 y Mc, 6: 17-28.

Según los textos, Herodes Antipas, tetrarca de Galilea, había contraído matrimonio con su cuñada Herodías, algo que la tradición judía consideraba incesto y, por lo tanto, estaba prohibido por la Ley. El Bautista quiso que Herodes se apartara de ella, siendo encarcelado por sus palabras contra esta relación. Herodías, sin embargo, quería vengarse de aquel que había hablado contra ella y encontró la ocasión perfecta el día del cumpeaños de Herodes. Después de que la hija de Herodías le dedicara un baile al monarca durante el banquete y delante de una gran multitud de invitados, séste quedó tan satisfecho de la actuación que Herodes juró que le daría lo que deseara. Después de preguntar a su madre, la muchacha -de nombre Salomé según Flavio Josefo- volvió a entrar en la celebración para pedir la cabeza del Bautista en una bandeja. Muy apenado, pero obligado por su juramento, Herodes hizo decapitar al santo en la cárcel y le entregó el trofeo a su hijastra. Después, los demás discípulos de Cristo recogieron y enterraron en cadáver, yendo a informar a Jesús de lo sucedido.

Más tarde se desarrolló una leyenda que narraba cómo Salomé sería castigada con una muerte similar cuando, al atravesar un río helado de las Galias, a donde había segido a Herodes en su exilio, la joven cayó al agua; la capa de hielo volvió a cerrarse alrededor de su cuello, decapitándola de manera que su cabeza parecía reposar, como la del Bautista, sobre una bandeja.

Los artistas se recrean en la danza y el festín, la degollación y la presentación y exhibición de la cabeza del Bautista. La iconografía de Salomé, por su parte, es muy popular desde la Edad Media, momento en el que destaca la representación del banquete, con una bailarina que se contorsiona, que dejará paso, a partir del Renacimiento, a la imagen de la joven con la bandeja sobre con la cabeza del Bautista, como en la imagen superior, obra de Caravaggio en el Palacio Real de Madrid.

El banquete, escena más habitual en el medievo, suele presentar a Herodes, tocado con corona o gorro cónico acanalado, que expresa su deseo hacia Salomé de una manera más o menos discreta. Normalmente, no se representa el momento en el que Herodías aconseja a su hija pedir la cabeza del Bautista, y se pasa directamente a la decapitación. Resulta habitual que la escena en la que el verdugo corta de un solo golpe la cabeza de su víctima venga asociada con la posterior presentación del trofeo a Salomé. Inmediatamente después, la joven lleva la bandeja ante su madre, que se encuentra en el banquete. Después de la Edad Media, el motivo de la cabeza del santo sobre una bandeja, emblema de las cofradías de la Misericordia y de los Penitentes negros que asistían a los condenados a muerte, fue muy representado. Además, en muchos países, a las bandejas de san Juan se les atribuía el poder de curar dolores de cabeza o garganta, y de ahí su proliferación. En el XVIII se esculpieron en España cabezas de san Pablo, también decapitado, de acuerdo con el modelo de san Juan (a la derecha: cabeza de san Juan, obra de Juan de Juni, en el Museo de la catedral de Valladolid).

La imagen de Salomé de medio cuerpo o tres cuartos, sosteniendo la bandeja con la cabeza del santo, aparece y se impone a partir del XVI para ir evolucionando hasta llegar a ser considerada la femme fatale por excelencia, de ahí la multitud de pintores decimonónicos que la han tomado como motivo de sus obras. Un delicado ejemplo, obra de Moreau, nos ofrece a una deliciosa Salomé ante su padrastro (a la izquierda, junto a estas líneas).

Como advertimos en su momento, aunque en ocasiones puede confundirse con Judit, el hecho de que la cabeza del santo precursor de Cristo aparezca sobre una bandeja descarta a la heroína del Antiguo Testamento y nos habla sin duda de Salomé.

Subastan, sin saberlo, una película inédita de Chaplin

La noticia llegaba hasta nosotros el pasado día 6: un británico compraba en eBay, por algo más de 3,5 euros, una lata antigua de guardar rollos de película. Sin embargo, la lata no venía sola. En su interior apareció una bobina de negativos que ha resultado ser un film desconocido de Chaplin titulado Charlie Chaplin in Zepped realizado hacia 1916.

Con una duración de unos siete minutos, parece ser que se trataba de una filmación con intención propagandística en la que Chaplin, un zeppelin y varias escenas de ambientación onírica buscan, posiblemente, disminuir el miedo de la población ante la amenaza de los ataques aéreos.

El siguiente paso ya se ha dado, y se está preparando un documental sobre el curioso descubrimiento en Los Ángeles.

Fuente: http://www.elpais.com/articulo/cultura/Hallada/pelicula/Chaplin/desconocida/elpepuculcin/20091106elpepucul_2/Tes
http://www.20minutos.es/noticia/560224/0/pelicula/chaplin/desconodida/

Subastas en Christie's

Danseuses, pastel (65,8 x 50,7 cm) realizado por Degas hacia 1896 (en la imagen de la derecha), se ha adjudicado en 7.303.210 € a un empresario asiático en la subasta de arte impresionista y moderno celebrada en Christie's Nueva York el pasado día 3. Todavía lejos de los 28.761.268 € en los que se vendió otro pastel (Danseuse au repos, realizado hacia 1879, 59 x 64 cm) de este mismo autor en Sotheby's Nueva York hace justo un año, el 3 de noviembre de 2008, no es desde luego un mal remate. El segundo precio más alto se pagó por la escultura de Rodin Le Baiser, cuya estimación máxima se había fijado en 1.362.221 €, precio que dejó atrás, pues siguió subiendo hasta alcanzar los 4.328.118 € en una subasta donde sólo doce de los cuarenta lotes que salían a pujas quedaron desiertos.

Esta misma casa, pero en su sede londinense, había sacado a pujas, como ya anunciamos hace algún tiempo, la colección de Manuel March en su casa de Mallorca.

La cita tuvo lugar los días 28 y 29 de octubre y la venta total ascendió a 5.952.580 euros, destacando un paisaje de Joaquín Mir titulado Tarragona, que se vendió en 334.990 euros, una vista de Mallorca pintada por Singer Sargent en 148.174 euros y piezas curiosas, como la esfera armilar italiana del siglo XVII que acababa las pujas en 208.634 euros, después de que la casa estimara la salida entre 33.426 y 55.710 euros (imagen izquierda).

Fuente: Christie's.com

Más de Sorolla. La influencia de Velázquez y su Menipo

Tras el éxito de la antológica sobre Sorolla en el Museo del Prado; después de que las piezas prestadas por su casa-museo volvieran a su logar de procedencia, se inaugura en éste un ciclo que, bajo el título "Diálogos", pretende mostrar las influencias recibidas y asimiladas por el "pintor de la luz". La primera exposición ofrece, hasta el 24 de enero, varios espacios en los que se analiza el influjo de Velázquez en la pintura del valenciano y que cuentan con el préstamo del Menipo, poeta y filósofo griego nacido hacia el año 270 a. C., obra velazqueña que sería copiada por Sorolla en el Museo del Prado.

El protagonista, esclavo de origen, pudo comprar la ciudadanía de Tebas con el producto de sus obras pero, al parecer, era tan avaro que se suicidó al perder su fortuna. Velázquez lo pintó como pareja del Esopo -famoso fabulista que vivió entre los siglos VII y VI a. C., también fue primero esclavo y después liberto, acabando su vida a mano de los habitantes de Delfos- para la Torre de la Parada, pabellón de caza de Felipe IV. La aparición de estos dos personajes dentro de la decoración de un lugar de descanso y esparcimiento parece responder a la acusada tendecia del Siglo de Oro español de hacer una sátira de la cultura clásica, palpable tanto en la literatura como en la pintura.

En cualquier caso, la copia realizada por Sorolla en 1882, cuando tenía 19 años, da inicio a esta muestra, donde también se exponen otros dos lienzos de la misma fecha, en los que el joven aprendía copiando del gran maestro sevillano: un fragmento del Retrato de la Reina María de Austria y otro de Las hilanderas.